queere ikonen im musical

Bereits in den frühen Tagen des Showbusiness gab es queere Künstler*innen. Zwar agierten diese oft im Hintergrund oder als Komponist*innen, Choreograf*innen oder Kostümdesigner*innen, aber sie waren immer schon da. Bei offen queeren Charakteren auf der Bühne sieht das ein wenig anders aus: Von Protagonist*innen, die zur LGBTQIA+-Community gehören, war anfangs noch nichts zu erkennen. Rollen, die mit dem Konstrukt der Geschlechter spielen, fanden allerdings früh in diversen Travestie-Nummern im Varieté ihren Platz. Mit der Zeit wurden dann der Broadway und das Londoner West End schnell zu Refugien für die queere Kultur. Auch wenn sie lange nicht offen thematisiert wurde, war das Showleben ein Rückzugsort. Das Musical konnte damals wie heute als „safe space“ angesehen werden, in dem der persönliche Ausdruck, die eigene Identitätsfindung und Empowerment stattfanden. All dies gab es auf der Bühne, lange bevor diese Themen in der Gesellschaft angekommen waren. Ab den 70ern rückten queere Inhalte dann nach dem Stonewall-Aufstand 1969 in New York – der Vorfall, weswegen wir heutzutage den Pride Month feiern – mehr in den Fokus der im Musical dargestellten Geschichten. Stücke wie La Cage aux Folles von 1983 oder Rent aus dem Jahr 1996 sind bekannte Beispiele, die Queerness nicht nur nebensächlich behandeln. Heutzutage gibt es zahlreiche Shows, in denen die Protagonist*innen queer sind, das Publikum ihrer Entwicklung zuschauen darf und ihre Geschichte emotional, aber auch inspirierend dargestellt wird.

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Wenn man von queeren Ikonen im Musical spricht, können einerseits die Personen hinter den gespielten Charakteren oder andererseits die Figuren an sich gemeint sein. Denkt man zunächst an die Künstler*innen hinter den Rollen, müssen ein paar ganz besonders Erwähnung finden: zum Beispiel Billy Porter. Der US-Amerikaner ist ein queerer Schauspieler, Sänger, Komponist, Bühnenautor, Regisseur und Musicaldarsteller – ein wahres Multitalent also. Seine zahlreichen Rollen in diversen Stücken brachten ihm bisher mehrere Auszeichnungen ein, darunter beispielsweise ein Tony Award für die Verkörperung der Dragqueen Lola in KINKY BOOTS – The Musical am Broadway. Eine weitere Ikone ist Liza Minnelli, die Tochter von Judy Garland. Sie wurde 1972 durch ihre Rolle der Sally Bowles im Filmmusical Cabaret weltberühmt, wofür sie sogar einen Oscar gewann. Das Musical greift queere Themen auf, wodurch Liza Minnelli genau in der Zeit der Lesben- und Schwulenbewegung in den 70ern ihre Paraderolle bekam – und das macht sie zu einer queeren Ikone, ohne dass sie selbst sich dieser Community zuordnet.

Auf der Seite der Figuren gibt es natürlich auch eine große Auswahl an queeren Charakteren, zum Beispiel im Musical Rent, in dem die Dragqueen Angel das Thema der Homosexualität auf die Bühne bringt. Ebenso ist Hedwig aus Hedwig and the Angry Inch von 1998 eine Ikone des queeren Musicals. Sie ist eine nicht-binäre Punkrockerin und Dragqueen, die durch Amerika reist und eine gender-bending Geschichte erzählt. Ein weiteres bekanntes Beispiel ist Dr. Frank N. Furter aus der Rocky Horror Show. Der pansexuelle Charakter hat sich durch seine verrückte Art in die Popkultur eingebrannt, ohne dass seine Sexualität im Musical jemals explizit zur Sprache kommt.

Heutzutage gibt es zahlreiche weitere Beispiele, was zeigt, dass Queerness im Musical lange angekommen ist und Repräsentation schafft. Viele Rollen zeigen dabei Stolz, Selbstakzeptanz, Verletzlichkeit und Empowerment – und all das zum Glück jenseits von Stereotypen, sodass sich Vorbilder auf der Bühnepräsentieren, die die reale Vielfalt von Lebenswegen und -weisen aufzeigen. Hier wird deutlich, dass die : Die Shows können zahlreiche Lebensrealitäten mit Emotionen und nahbaren Geschichten zeigen, wie es in der Politik oder auf anderen Ebenen nicht möglich ist. Deshalb sind queere Ikonen im Musicalgenre so wichtig.